Краткий экскурс в историю современного балета

Краткий экскурс в историю современного балета

Мировое балетное искусство зародилось в XVI веке, а само слово «балет» прозвучало веком раньше. Какие важные вехи прошел этот жанр в своем развитии? 

Краткая европейская история балета 

В синкретическом жанре балета переплетаются танец и музыка, драматическое и изобразительное искусство, рождая особый вид сценической выразительности. Балетный спектакль может строиться на известном или собственном уникальном сюжете либо быть вовсе бессюжетным — и при этом выразительным и эмоциональным. 

Само слово «балет» впервые прозвучало в итальянском языке, в переводе с латинского слово ballo означает «танцую». Мировая история искусства гласит, что в XV веке учитель танцев Доменико да Пьяченца, преподававший при королевском дворе, перед очередным балом предложил объединить несколько танцев и написал для них подытоживающую финальную часть. Это музыкально-хореографическое творение он и назвал балетом. 

Упоминания о самостоятельном жанре балетного танца встречаются позднее и выходят за границы Италии. В 1581 году в Париже хореограф Бальтазарини ди  Бельджойозо поставил спектакль «Цирцея, или Комедийный балет королевы», соединив музыку и танец. Это была первая постановка, после которой во Франции началось развитие придворного балета как жанра. 

Чем пышнее и церемоннее — тем лучше. Такому правилу следовали балетмейстеры XVI века, создавая зрелищные барочные постановки. Расцвет придворного балета приходится на годы правления короля Людовика XIV. В одной из таких постановок правитель сам выходит на сцену в образе светила — и получает прозвище Король-солнце, закрепившееся за ним в веках. 

В придворных постановках музыка и церемониальность оказывались важнее. Своим становлением в качестве самостоятельного жанра мировой балет обязан французскому хореографу Пьеру Бошану. В XVII веке он определил каноны балетного танца, сформулировал пять положений для ног и три — для рук, а также первым употребил термин «выворотность». Кроме того, балетмейстер выделил разновидности танцевальных движений — плие, прыжков, вращений и положений корпуса. В балете зазвучали термины «фуэте», «антраша», «арабеск» и другие, закрепившиеся на века. С появлением «правил» исполнения балет все больше отходит от придворного развлекательного досуга в сторону сценического искусства. 

В эпоху Просвещения еще один французский хореограф — Жан Жорж Новерр — сравнивал балет с классицистической драмой. Ему принадлежит термин «действенный балет», где сюжет выходил на первый план. Часто это случалось в ущерб танцевальной и музыкальной выразительности. Новерр внес большой теоретический вклад в развитие балета: он дифференцировал комические и трагические танцевальные произведения, придумал форму многоактного балета, писал об отличиях балета от оперы (до него на французской сцене часто можно было увидеть так называемую «балет-оперу»). Сценической практикой хореограф тоже успевал заниматься: он написал 80 балетов с разным сюжетным и стилевым наполнением. 

Первые либретто возникли чуть позже, когда на сцене воцарился сентиментализм, а самой популярной балетной формой стала хореодрама. Затем на театральные сцены приходит романтизм, и важной фигурой в мире классического танца становится хореограф Карло Блазис, который возглавлял Королевскую академию танца при театре «Ла Скала». Именно ему принадлежит закрепившееся в теории балета разделение танца на классический (академический) и характерный (бытовой, народный). Также он сформулировал отличия разных типов танца — сольного, ансамблевого и массового. А еще Блазис в 60-х годах XIX века работал в Санкт-Петербурге и оказал влияние на русскую школу балета, которая тогда активно формировалась. 

Балет в России: от придворного искусства к прославленным образцам мирового уровня 

Почти 100 лет спустя после самого первого балетного спектакля состоялся дебют балета в России. Премьерной постановкой нового жанра стал «Балет об Орфее и Эвридике», который публика при дворе царя Алексея Михайловича увидела в 1673 году. 

Первые спектакли зафиксировали русский балет в качестве придворного искусства: приглашенные европейские балетмейстеры ставили спектакли преимущественно на мифологические сюжеты. Затем их сменяют исторические постановки. 

В XIX веке Петр Ильич Чайковский создает «Лебединое озеро», и это первый случай, когда русский композитор такого уровня пишет балет. И вновь сам жанр меняется: симфоническая музыка перестает быть просто сопровождением и становится полноценным произведением искусства, а сюжетно спектакли Чайковского открывают новое направление романтических балетов. Композитор изменил и форму балетной музыки: теперь постановки строились по новым законам симфонического развития. 

Балетный жанр в России осмысляли по-своему и композиторы, и балетмейстеры. Александр Глазунов, Игорь Стравинский, Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Рейнгольд Глиэр, Арам Хачатурян и другие мастера музыки — каждый из балетных композиторов работал в своем уникальном стиле. Мариус Петипа, Лев Иванов, Михаил Фокин, Юрий Григорович — каждый из балетмейстеров использовал свой арсенал средств танцевальной выразительности.

Иерархия и история балетной труппы

Исторически балетная труппа состояла из танцовщиков-мужчин. На родине балета — в Италии — отличительной чертой исполнительского мастерства была так называемая прыжковая манера танца. Во Франции, где балет сформировался как жанр, среди первых танцовщиков ценились грация и гибкость. Дальше к труппам присоединились балерины. Первой танцовщицей в классическом образе — в пуантах и пачке — стала итальянка Мария Тальони. 

В кругу исполнителей классического танца действует целая иерархия статусов, и положение в ней определяется уровнем мастерства, талантом и степенью признания в профессиональной среде. В разных балетных школах ступени этой исполнительской иерархии отличаются. Более того, различия есть внутри русской школы балета: в структуре труппы Большого и Мариинского театров. 

Балетная иерархия существует давно. В России XIX века выпускницы Театрального училища чаще всего начинали путь в театре с кордебалета, самые талантливые могли сразу получить сольную партию. Спустя несколько лет талант, помноженный на трудолюбие и мастерство, позволял артистке достичь звания балерины. Но, разумеется, такое развитие танцевальной карьеры не было универсальным. В дореволюционной России и позже были артистки, которые смогли стать балеринами и примами незадолго до выхода на пенсию. 

Современная балерина — это высшая ступень исполнительского искусства. К этому статусу выпускницы хореографических училищ приходят через практику и постоянное совершенствование, участие в спектаклях — сначала на второстепенных, а затем на главных ролях. От артистки кордебалета к солистке, от солистки к балерине и прима-балерине — этот путь редко бывает простым и далеко не всегда завершается в верхней точке. Ведь помимо мастерства и опыта настоящая балерина должна обладать самобытным талантом, собственным стилем и неповторимой харизмой. У каждой знаменитой балерины — свой путь, своя интерпретация звездных партий. 

Из чего состоит балет: танцы, пантомимы, сцены

Основными составляющими балетного спектакля являются классический танец, характерный танец и пантомима. 

Классическому танцу много веков: он возник во Франции практически одновременно с формированием балета как жанра. Классический танец может быть сольным: он называется вариацией или адажио. Впрочем, сольный танец в балете необязательно исполняется в одиночестве — такие номера могут быть частью ансамблевого танца. Одно из самых известных адажио в мировом балете — это танец из балета «Лебединое озеро».

 Характерный танец основывается на национальной хореографии и передает народный колорит и настроение. Историк балета Юрий Слонимский подчеркивал, что суть характерного танца точнее отражает перевод этого же термина с французского языка — «танец в образе». Иными словами, для артистов, исполняющих характерный танец, важно показать не столько нравы изображаемой страны, сколько ее сценический образ. Венгерский танец в «Раймонде» или испанский танец в «Дон Кихоте» — это классические примеры характерных танцев. 

Балетная пантомима напрямую связана с сюжетом постановки. Жестами, мимикой, движениями артисты демонстрируют события и свои эмоции. 

Также в балете встречаются массовые сцены — их исполняют артисты кордебалета. Такие танцы тоже могут быть характерными, то есть изображать национальный колорит или историческую эпоху. Таков, например, «Испанский танец» в «Лебедином озере».

Балет настоящего и будущего: эпоха постмодерна и смелые эксперименты  

Современный балет подчас нарочито отличается от классического, используя другой хореографический язык — более свободный, раскрепощенный, акробатичный. Музыкальное сопровождение может быть любым — от привычной классики до композиторов современности и, казалось бы, хаотичного набора звуков. Артисты в таких спектаклях могут выходить на сцену в минималистичных обтягивающих костюмах или, наоборот, в смелых футуристичных образах. Важная особенность современного балетного искусства — размывание границ, свобода творческого выражения. Балетмейстеры жонглируют цитатами из национальных танцев, смело переосмысляют классику, включают современные движения и пластические элементы. Также хореографы не боятся балетной классики: например, британский балетмейстер Мэтью Берн по-своему переосмыслил наследие Чайковского, предложив партии лебедей в «Лебедином озере» мужчинам. 

И в то же время современный балет крепко придерживается традиций — это второе важное направление развития. На театральных сценах во всем мире до сих пор с успехом идут канонические постановки вековой давности и старше. Меняются костюмы, элементы хореографии и музыкального сопровождения, но общее отношение к классическим постановкам остается неизменно бережным. 

Как бы современный балет ни обращался с классическим наследием — противопоставляя себя ему, переосмысляя его или цитируя, он остается символичным. Как и положено в эпоху постмодерна, современные хореографы часто рефлексируют, щедро делятся аллюзиями и ссылками. На искусство балета влияют и кинематограф, и клиповая культура, поэтому балет не застыл в том виде, в каком его знали в начале XX века. Балет меняется, а значит, живет. 

Театры с мировым именем: где смотреть балет

Современный балет развивается и процветает в разных странах. Спектакли регулярно собирают аншлаги в крупнейших залах по всему миру.  

Миланский театр «Ла Скала» — это не только всемирно известный дом оперы. В течение веков здесь идут балетные постановки. Построенный в 1778 году, он по сей день отличается безукоризненной акустикой. 

Основное здание «Гранд-Опера» во Франции строили 15 лет. Этот процесс не завершился и в новой истории: в 1989 году открыли новую оперную сцену. Главная балетная труппа страны тоже размещается здесь. 

Здание Большого театра в Москве, подобно птице Феникс, гибло в крупных пожарах и отстраивалось вновь, неоднократно подвергалось реконструкции и усовершенствованиям. Сегодня это, без преувеличения, одна из лучших балетных сцен в мире. Санкт-Петербургский «родственник» столичного театра — парадная и дворцовая Мариинка. 

Театр «Ковент-Гарден» в Лондоне — это бессменный дом Королевской Оперы и Королевского Балета начиная с XIX века. Английская школа — отдельное направление в мире балета, самобытное и заслуживающее внимания. 

Театр «Метрополитен Опера» на Бродвее — самая известная музыкальная сцена в США. Представители американской школы балета регулярно собирают полные залы. 

Футуристичный оперный театр в Сиднее появился относительно недавно, в 1973 году. Спектакли Австралийского балета проходят в этом здании, которое славится своей акустикой и детально продуманной системой рассадки зрителей. 

Последние статьи и новости о балете